Dandole un poco de Groove a mi Vida

Publicado: febrero 18, 2016 en Uncategorized

Cómo grabar el bajo eléctrico

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Este instrumento vive un momento peculiar en la producción.
Si bien es una pieza imprescindible en infinidad de géneros musicales, con mucha facilidad se le sustituye por librería de sonidos.
Y si no es el caso, es común producirlo con demasiada simplicidad.
Pero la verdad es que si se le dedicara el tiempo necesario le daría un toque único a tu grabación, a tu arreglo.
Por muy buena librería que exista, que la hay, pienso que jamás será lo mismo, no sólo con el bajo eléctrico sino casi con cualquier otro instrumento real.
Sin embargo, la dificultad que enfrentan muchos “novatos” de la producción es lograr un sonido realmente interesante, que le ponga vitaminas a la música. Y la salida fácil es sustituirlo por algo que, si bien es cumplidor, carece del “toque”, de la “magia” que un buen bajista con un buen bajo pueden aportar.

Pero supongamos que lo tienes, que cuentas con él, entonces ¿cómo aprovecharlo? ¿cómo obtener el mejor resultado?

He aquí algunos consejos simples y prácticos para grabar el bajo eléctrico

  • La técnica segura que usa mucha gente es lo que se conoce como “grabación directa”. Es decir, conectarlo a una caja directa, o más correctamente un “convertidor de impedancia” y mandarlo derechito a la grabadora. En ocasiones ni siquiera así, sino directamente a la entrada de linea y listo.

Lo sorprendente es que después, durante la mezcla, se preguntan ¿porque le falta “punch”? ¿porqué no tiene presencia?

Esta no es necesariamente una mala técnica. No siempre es así.
En ciertos géneros se busca un sonido muy limpio y a veces, el instrumento mismo, que cuenta con un buen juego de pastillas activas, lo da.

Pero no funciona todas la veces, y aquí es donde es aconsejable darse la oportunidad de obtener algo mejor.

  • Un buen ampli de bajo puede hacer la diferencia, pero debe ser bueno, o al menos que no sea un catálogo de ruidos: inducciones, falsos contactos, etc. y que sí sea para bajo.

Si se cuenta con él, lo imprortante es microfonearlo con un modelo adecuado. Un dinámico de diafragma grande, como los comunes para el bombo, puede funcionar muy bien.

¿Ejemplos?

  • AKG D112
  • Shure Beta 52A
  • Sennheiser e902

Ahora que si sólo cuentas con un Shure SM-57, no te detengas, úsalo. Si acaso perderás algo de graves pero dará un buen sonido.

Y si no con alguno de estos, utiliza el que tengas. Sólo ten presente que quizá uno de condensador colocado muy directo no dé un resultado interesante.

  • Pero quizá la mejor técnica, o la que más posibilidades te puede dar, es la combinación de las dos técnicas anteriores. Directo y por ampli.

¿Qué necesitas para eso?

Que tu caja directa tenga una salida paralela, de modo que puedas tanto enviar directo a la consola o a la interfaz, y además alimentar el amplificador.

¿Pero y en cuanto a preamplificadores, compresores?¿qué opciones hay?

Una infinidad, pero mientras estos simples procedimientos pueden comenzar a ser, quizá, esa diferencia que andas buscando, y además con recursos más accesibles para un estudio personal.

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CUAL VA PRIMERO ??

Publicado: julio 1, 2015 en Uncategorized
 Equalizer / Compressor / Limiter

He escuchado esta pregunta infinidad de ocasiones. Y una vez más se le responde con infinidad de respuestas. Unos dicen que primero el ecualizador; otros que no, que al revés: “primero va el compresor”.
Además, se argumenta cada procedimiento con razones de todo tipo: científicas, musicales, estéticas, etc, etc, etc.
¿Quieres saber cuál es la correcta?

La respuesta a este dilema es:

Cualquiera de las dos.

Si estás pensando “me quedé en las mismas” a lo mejor no me estoy explicando.
Mejor analicemos el asunto de otro modo.

Lo primero que habría que preguntarse es:

 ¿Existe diferencia en el orden en que se conectan un ecualizador y un compresor al procesar una señal?

Sí.
Entonces, ¿qué hace difícil preferir un procedimiento del otro?
Es difícil asegurarlo al 100% pero pienso que se debe a la dificultad de percibir los cambios generados en los procesadores; es decir, la raíz del problema está en que muchos no detectan claramente qué está sucediendo en realidad.
Si éste es tu caso no te alarmes, no quiere decir que no funcionen bien tus orejitas, más bien sucede que no las has entrenado lo suficiente para detectar esos cambios.

De los dos procesadores involucrados, pareciera ser que, para la mayoría,  es más fácil percibir qué hace un ecualizador que un compresor.

Quizá porque estamos más acostumbrados a utilizarlo en la vida diaria -casi todos los equipos no profesionales,  de casa o del coche, o el reproductor mp3,  cuentan con algún tipo de ecualizador al cual le movemos aunque sea intuitivamente-.
En cambio, los compresores son herramientas que sólo encontramos en el estudio o en los equipos de sonorización, pero difícilmente en el autoestéreo o en el iPod.

Es decir, hemos tenido más oportunidades para experimentar con el primero.
Y es un hecho irrefutable: sólo se aprende experimentando.
De hecho, con demasiada frecuencia me encuentro con gente que no tiene la menor idea de qué hace un compresor.

No sólo eso, cuando les muestro algún ejemplo sencillo y les digo: “…¿escuchas cómo cambia?” sólo ponen una expresión de desconcierto, como si pensaran: ” , o yo estoy mal y no sirvo para esto, o estoy irremediablemente atrofiado..”

Ninguna de las DOS. Lo que sucede es que en la mayoría de los casos toma tiempo entender y percibir cómo influye el compresor en el sonido.
Además, existen muchos tipos de compresión y unos funcionan mejor que otros para diferentes circunstancias y tipos de señal.
En las diferentes etapas del proceso de producción donde se ocupan estos procesos, -grabación, mezcla y masterización-, necesitamos definir al menos tres cosas:

    •  Qué deseamos obtener.
    • Con qué material estamos trabajando.
  • Con qué herramientas contamos.

Y es muy diferente a qué se llega en cada una de las etapas que menciono.

Entonces, ¿cómo saber cuál usar primero?

Probando.

    • Tómate tu tiempo.
    • Enfócate en un sólo sonido.
  • Lleva un orden y anota para no perder datos importantes.

¿Te suena difícil?
Para nada, es cuestión de dos cosas: primero entender, después hacer.

Y tu estudio personal es el lugar ideal para encontrar tu propia fórmula.

Si quieres una respuesta simple, aunque parcial, sólo te puedo decir que es más común encontrar esto: primero el ecualizador, después el compresor. 

Se trata de creatividad. En ella  todo se vale siempre y cuando logres algo que valga la pena.

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Publicado: junio 17, 2015 en Uncategorized

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Preamplificadores. BlueTube DPV2, de Presonus

Preamplificadores. BlueTube DPV2, de Presonus

Para quien es más afecto a la movilidad y busca equipo que le dé calidad en versión compacta, que le permita aprovechar su equipo en su estudio, pero también podérselo llevar a casi cualquier parte, una de las mejores decisiones puede ser contar con un par de “preamps” que complementen una interfaz de audio sencilla, unos micrófonos y una laptop.
Una opción interesante es el BlueTube DPV2, de Presonus.

Características de este preamplificador.

2 canales de entrada, tanto para micrófono como para instrumento
Suficiente para grabar guitarra acústica, eléctrica, voz, piano, instrumentos de aliento, entre otros.
Preamplifcación de micrófono de hasta 80 dB de rango
Esto te aporta suficiente ganancia sobre todo en instrumentos que no generan mucha señal, como guitarras acústicas tocadas con dedo, arpa, algunas maderas, laud, etc.
Atenuador de nivel de entrada de 20 dB.
Si, por el contrario, tu señal es demasiado alta y satura fácilmente a pesar de tener cero ganancia, este interruptor te permitirá realizar un ajuste más preciso del nivel de entrada.
Etapa de ganancia a base de tecnología de bulbos, para un sonido más cálido.
Phantom power.
Indispensable para micrófonos de condensador.
Filtro pasa alta de 80 Hz.
Para retirar frecuencias muy graves innecesarias.
Interruptor inversor de polaridad.
Por si se te presenta algún problema de fase con tu señal.
Control de saturación de la válvula

Conclusión

El BlueTube DPV2, de Presonus es una herramienta de trabajo sencilla pero muy completa para lograr un sonido transparente, 100% profesional.
Ideal para quien se toma en serio su sonido y busca invertir inteligentemente

PRECIO A TRAVÉS DE ESTE MEDIO $5155

Studio-A-Rack-(21)

Seguramente queres que tu música suene en algún espacio que has imaginado: ya sea en un foro para 2, 000 personas; o quizá en un cuarto que se sienta vacío, con un sonido crudo y básico; o probablemente que al inicio parezca como si estuvieras tú y tu banda encerrados en una caja, herméticamente, y de pronto sonar como si se encontraran tocando desde el mismo espacio sideral.
Todo esto lo permiten los efectos de sonido.

Y no todo termina ahí, también ayudan a darle un carácter propio a cada uno de los sonidos involucrados en una mezcla.
En este artículo te comparto consejos sencillos para comenzar a organizarlos en tu mezcla y no correr el peligro de perderte en la inmensidad.

En una mezcla de audio todo es importante
Para usar una analogía muy simplificada:

    • La ecualización nos ayuda a que los elementos de la mezcla se sientan definidos, enfocados.
    • Los controles de dinamica, y sobre todo los compresores,  junto con el control de nivel o fader, a darles un tamaño apropiado, proporcional y consistente en el contexto de los demás sonidos.
  • Los efectos, sobre todo los reverberadores, delays y ecos ayudan a darle a la mezcla algo así como el efecto 3D (3a, dimensión). Es decir, ayudan a generar un espacio, una profundidad donde la música, o el sonido en general, se desplieguen.
Por eso también es crucial un buen manejo de ellos

Probablemente te has llegado a sentir abrumado con la cantidad tan numerosa de efectos, tipos de reveberación, ecos, flangers, choruses y demás nombres raros que quién sabe para qué sirvan.

Y si piensas además en todas las combinaciones posibles habría razón suficiente para sentir que tu cabeza no da más.

Los efectos de sonido son, literalmente, un océano de posibilidades, y para su buen manejo se requiere paciencia y muchas horas de experimentación para encontrar la fórmula adecuada, a tu medida.

No pretendo abarcar un tema tan vasto en un sólo artículo. Sería imposible.
Pero sí ofrecerte algunas recomendaciones prácticas que te permitan mezclar con procedimientos iniciales apropiados.

Ubica primero que nada aquellos elementos de tu sesión que requieren realmente efectos, por ejemplo reverberación, y comienza trabajando con pocos reverberadores.

Si trabajas con plugins no emplees necesariamente uno por canal, mejor analiza cuáles puedes compartir entre varios sonidos y configúralo apropiadamente. De lo contrario tu procesador será incapaz de tantas tareas y comenzarán a surgir problemas de reproducción.

No todo necesita tener efecto. Muchas veces algún elemento de tu mezcla puede lograr un fuerte contraste con el resto con sólo ecualización y compresión -y a veces incluso sin eso-.

“Imprime los efectos que forman parte esencial de ciertos instrumentos. Típicamente sucede con las guitarras eléctricas. Sólo asegúrate de grabarlos lo más limpio posible y con buen nivel de señal, de modo que se puedan ajustar posteriormente sin dificultades.
Evita sobre-procesar. Más no significa mejor y puede que en vez de mejorar empeores tu sonido atascándolo de cosas innecesarias.
Descansa tus oídos, no te presiones. Recuerda que estás en tu propio estudio personal, ese ESPACIO IDEAL donde sos dueño de tu tiempo.

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Si la letra de una canción no se entiende y la voz se pierde por momentos en medio de la mezcla; si mientras grabas se satura tu señal con mucha facilidad o tus monitores distorsionan en ocasiones con ciertos sonidos graves, es altamente probable que necesites un compresor.

Estas son apenas tres de una infinidad de problemas que puede solucionar este aparato.

Estamos hablando de uno de los dispositivos más necesarios y versátiles del audio profesional.

Estas son 3 cosas muy importantes que hay que saber sobre él

    • El compresor es un procesador dinámico.
    • Es la mancuerna ideal del ecualizador
  • Se emplea la mayoría de las veces en tres de las cuatro etapas de una producción

¿Qué es un procesador dinámico?

Se trata de un dispositivo que controla las variaciones o fluctuaciones de nivel de una señal de audio.
En el caso de los procesadores dinámicos los cambios en la señal se miden en decibeles (dB). Por lo tanto  es nuestra unidad de medición del nivel de audio.

Los procesadores dinámicos son cuatro

    • El compresor
    • El limitador
    • La compuerta
  • El expansor

En el caso del segundo y tercero suena muy raro decirlos en su traducción en español, lo más probable es que escuches que se refieren a ellos como gate y expander, respectivamente.

En la mayoría de los tipos de producción que se realizan el compresor funciona muy bien en conjunto con el ecualizador; ya sea antes o después de éste.
El orden en la cadena de sonido dependerá muchísimo de lo que se quiera obtener.

¿Cuáles son algunos usos que se le puede dar en cada etapa de la producción?

De manera similar al uso del ecualizador, el compresor se utiliza:

  • Durante la grabación, una de sus aplicaciones más comunes es en cuidar el nivel de la señal de modo que sea más difícil llegar a suturarla.

En ese caso, y para no afectar o alterar significativamente las variaciones de nivel en la señal a grabar es aconsejable utilizar un limitador, el cual podemos entender como una variante del compresor.

  • Durante la mezcla, sobre todo en los géneros más populares, se convierte no sólo en un recurso de control de la señal sino también en una herramienta creativa que, combinada con el ecualizador, permitirá lograr cosas que este último por sí solo no puede hacer.

Durante este proceso puede realizar funciones tanto a nivel del canal individual,como a nivel de subgrupos de canales e inclusive en el master.

La manera como interactúa con el ecualizador le permite ser una de las piezas claves más versátiles en el estudio.

  • Durante la masterización sus posibilidades y aplicaciones son muy variadas pero siempre enfocadas en darle al sonido la presencia y claridad necesarias.

Al igual que en los ecualizadores y los efectos, existen infinidad de modelos, con diferentes principios de funcionamiento y diseño en su electrónica, lo que permite a la producción contar con una verdadera variedad de recursos para armar un buen sonido.

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Metronome, Blues Driver, Amp

Una producción musical mal planeada ejemplifica a la perfección aquél refrán que dice “Árbol que nace torcido jamás su tronco endereza”.
Y uno de los aspectos más comunes de una mala planificación es restarle importancia al asunto del tempo.
Si el momento creativo es por lo general espontáneo, el momento de producir requiere orden y método.

En la edición, por ejemplo, una planificación previa, hará esta etapa fluida y altamente creativa, en vez de aburrida, larga y frustrante.
Infinidad de casos se pueden citar de cómo, al no haberse establecido claramente el esquema del tempo en la pieza, se termina por hacer una sesión de producción efectivamente torcida y que se resiste a ser alineada.

Así que vale la pena que tomes en cuenta lo siguiente.
En la primera parte de este artículo hablé sobre la importancia de un manejo personal del tempo y di algunos consejos simples.

En esta parte te enlisto algunos procedimientos que le permitirán a tu producción mejores resultados.
Pero no pierdas de vista que se trata de conjugar ambos consejos: los del primer artículo con estos.

Maqueta midi primero, después grabación de audio

Si te estás preguntando: ¿pero para qué uso eso si no utilizo midi en mi música?
Créeme, el midi es una de las mejores herramientas a tu favor y no implica que suene al final.
Se trata de un recurso que te permitirá, aunque sea de una manera burda, comenzar a hacer audible tu idea de composición.

Algunas ventajas de esto son:

    • Puedes ir construyendo uno o varios arreglos posibles de un modo rápido moviendo bloques de datos midi que bien cuantificados se cortan y pegan con mucha facilidad.
    • Puedes bocetar algunos sonidos que te permitan ir vislumbrando el sonido final, en un proceso acumulativo y enriquecedor.
  • Y lo más importante para el tema que nos ocupa: puedes modificar el tempo con toda libertad y sin complicaciones.

Los datos midi se adaptan rápidamente a esos cambios. Inclusive si quieres hacer cambios de tempo, a lo largo del tema, ya sea bruscos o por medio de “ralentandos” y “accelerandos”.

A diferencia de esto, con el audio se complica muchísimo.
Si, ya sé que me dirás: “Pero existen herramientas para modificar la duración”
Claro, pero tienen su alcance y en ocasiones el sonido se empobrece cuando los ajustes son muy drásticos.

Me ha tocado vivir en muchas ocasiones cómo una producción se detiene, ya en la mera grabación de instrumentos reales, porque aparecen dudas sobre el tempo: que si está muy rápido, que si está muy lento…

Mejor tener claro el asunto desde el principio.

Un opción un poquito diferente y muy utilizada en la actualidad es definir el “beat” de la pieza utilizando algún “loop”.
Aunque los “loops” o “bucles” casi siempre no son archivos midi, por su naturaleza son muy fáciles de modificar en tempo, y su utilidad termina siendo la misma.

Programación del metrónomo de la sesión

En muchas ocasiones los sonidos incluídos de muchos programas de audio no son muy prácticos.

En esos casos es mejor crear un “track midi” no sólo con sonidos midi que te funcionen mejor, sino con patrones rítmicos que realmente te apoyen.

Por ejemplo, hay ocasiones cuando el “click”, como también se le llama, está en valores de cuarto, que puede haber pasajes donde necesitamos doblar el valor a octavos, aunque sólo sean unos cuantos compases.
Con el metrónomo base no es posible, pero configurando tu propio “click track” sí.

Cuando se trabaja con compases irregulares llega a no servir de mucho que el metrónomo del programa te de referencias del mismo valor; a veces es más clara la guía haciendo grupos o patrones rítmicos en ese “track midi”.

Cuidado con los sonido muy agudos

En la mayoría de los casos los metrónomos con sonidos de frecuencias más agudas son más fáciles de distinguir, pero, por lo mismo, es más fácil escucharlos a través de los audífonos y, por lo mismo, que el micrófono los capte.

No quiere decir que no los utilices, pero toma en cuenta esto o baja significativamente el nivel en la mezcla de monitoreo y cerciórate primero de que no se filtra ese sonido al exterior de tus audífonos.

Como ves son cosas fáciles de tener presente e implementar: sólo es cuestión de planeación.

Los proyectos torcidos producen resultados torcidos; los proyectos bien cuidados producen frutos notables.
(ref. Artesonoro)

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Nuevo Logic X, de Apple

Publicado: enero 27, 2015 en Uncategorized

Nuevo Logic X, de Apple

Hace unos días se presentó el largamente esperado Logic X.

Existía un amplio temor entre sus fans de que Apple descontinuara el programa pero no fue así.
Muchas de estas dudas desaparecieron cuando, meses atrás, el propio director general de Apple, Tim Cook, aclaró que el equipo de Logic Pro trabajaba en el mejoramiento del programa y pronto habría noticias.

¿Qué es lo relevante en esta versión?

Hay cambios interesantes en el diseño:

  • El esquema de colores que lo hace más moderno y elegante.
  • La barra de transporte ahora se encuentra en la parte superior de la interfaz para mejor visibilidad.
  • Opción para personalizar diversas funciones de la interfaz, encendiéndolas o apagándolas a tu gusto para mejor comodidad.

A simple vista pareciera una actualización de la versión anterior, Logic Pro 9. Pero no es así.

De las numerosas funcionalidades que trae, por mencionar sólo algunas, me llaman la atención:

Nuevos recursos de producción

Drummer

Batería virtual que suena excelente, con gran realismo, y además ejecutada por excelentes bateristas y grabada por algunos de los ingenieros de grabación más experimentados del mundo.

Arpegiador

Con el cual puedes desarrollar patrones muy sofisticados con la ayuda de cualquiera de los instrumentos de software incluidos en el programa.

Retro Synth

Sintetizador de 16 voces de gran flexibilidad y muy fácil manejo, y con el cual puedes implementar diferentes tipos de síntesis como análoga o FM, entre otras.

Herramientas de edición más poderosas

Para esta etapa tan importante del proceso ahora cuentas con Flex Pitch, que te permite modificar la altura y otros parámetros de sonidos monofónicos o de la voz.

Sin embargo, desde mi punto de vista, uno de los enfoques más importantes de esta nueva versión se centra en mejorar la experiencia del usuario. Es una interfaz más amigable, más pensada para músicos-productores: mucho más intuitiva.
Por último, algo digno de mencionar.
A la amplia lista de controladores virtuales remotos compatibles con Logic Pro que hay en el mercado, se añade el nuevo controlador para iPad, diseñado por Apple.
Lo interesante es que es gratuito y descargable desde el iTunes store.

Si tu sistema operativo base es Mac te recomiendo ampliamente echarle un vistazo a la recién presentada nueva versión de uno de los programas más importantes de audio y quizá una de las mejores herramientas creativas que un músico puede tener.
Requiere sistema operativo 10.8.4. o posterior.
(ref. Artesonoro)

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