no fools pro tools

La numerosa cantidad de aplicaciones existentes para grabar, editar, mezclar, etc. hace que algunos duden de cuál de todos es la correcta, cuál deben usar.
Y si bien es cierto que aunque todas hacen en esencia lo mismo, algunas tienen ciertas características y funcionalidades que las hacen más prácticas que otras para cierto tipo de proyectos.

¿Cómo saber entonces si estás utilizando el programa más adecuado?, cómo saber si necesitas cambiar de plataforma de producción?

La respuesta parece no ser tan sencilla porque puede haber infinidad de razones, y algunas son más subjetivas que objetivas; más producto de la desinformación, de los mitos, que de razones de peso.
Sería imposible en un artículo abarcar todas las variantes surgidas de esta inquietud.

Para hacer de este artículo un documento práctico, debemos, ubicar primero el origen de la inquietud.

  • Si la duda surgió de uno mismo por las dificultades o limitaciones que uno encuentra en el programa  al interactuar con él en su proceso de trabajo.
  • Si la duda fue “sembrada” desde fuera: por los amigos o conocidos, por la publicidad, por las tendencias, por los rumores, etc.

¿Porqué?

Tres situaciones para ejemplificar esto:

  • Comenzaste con el programa incluído en el paquete de la  interfaz que adquiriste. Al principio era más que suficiente porque además eras totalmente “novicio” en la grabación. Pero conforme adquiriste mayor conocimiento y habilidades un programa tan básico te quedó corto. En un caso así tiene sentido que el siguiente paso sea saltar a una versión más grande, con más funcionalidades, del mismo programa, o cambiar totalmente de dirección.
  • Comenzaste con un programa sencillo pero adecuado a tu nivel de conocimiento, pero al irte involucrando te diste cuenta que, para el tipo de música o proyectos que haces no es el más adecuado, y con el tiempo descubriste algo que se ajusta mucho mejor a tu estilo y tipo de producción.
  • El tipo de proyectos que realizas en tu estudio personal requieren que, en el proceso de producción, finalices la mezcla en un estudio comercial donde se utiliza otro programa, que además es el más popular en esos estudios. En ese caso te conviene estandarizar tu proyecto para que el proceso sea más fluido, con menos contratiempos. Tiene sentido asegurar esa compatibilidad.

En cambio, cuando la duda viene de fuera suceden cosas como esta:

    • Es que me dijeron que este es el que usa “fulanito” y por eso tiene tanto éxito.
    • Es que escuché que  tal programa es el “oficial”, el que se usa en todos los estudios; los demás son “de juguete” para gente poco profesional.
  • Es que la publicidad dice que éste sí es el bueno, que por fin tendré a la mano lo mejor de lo mejor.

Conclusiones:

  • No existe el mejor programa en abstracto. Son tus necesidades específicas y tu manera de operar dicho programa lo cual  lo hacen el más adecuado o no.
  • Toma en cuenta que puede llevarte mucho tiempo llegar a conocer muy bien un programa de audio . Si cambias radicalmente de plataforma necesitarás de nuevo iniciar el proceso de aprendizaje para conocer razonablemente la nueva herramienta. Analiza si vale la pena.
  • Infórmate primero.
  • Acepta que el programa de audio es sólo una herramienta. Y si bien puede contribuir a lograr mejores resultados no es ni remotamente la clave del éxito: éste se logra con muchísimos más ingredientes; entre ellos : mucho trabajo, disciplina, esfuerzo, involucramiento y por sobre todas las cosas conocer bien la herramienta con la cual vas a trabajar.

    (ref artesonoro)

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Hacer una buena lectura de la señal durante la grabación es uno de los pasos más importantes de todo el proceso de producción.
Un nivel de señal óptimo del sonido facilitará muchísimo las cosas en todos los procesos posteriores.
Sin embargo, para muchos llega a ser muy confuso debido a que existen muchas escalas, niveles de referencia, modalidades. etc.

He aquí una manera muy sencilla de hacerlo sin necesidad de mayores conocimientos teóricos y que funciona en la gran mayoría de los casos.
Considera que el siguiente procedimiento está pensado básicamente para el proceso de grabación.
Si bien puede serte útil en el proceso de mezcla, en esa etapa se deben tomar en cuenta otros factores que, definitivamente, requieren ciertos conocimientos teóricos para saber de qué estamos hablando.
Además, funciona con los medidores de barra, los VUmers son otra historia. Pero los primeros son los más comunes en el estudio casero o home studio.

Procedimiento

Primero ten presente que, en la mayoría de las ocasiones, el nivel o intensidad de un sonido no es constante, es lo que llamamos dinámica.
Por lo tanto necesitamos que el nivel de señal que deseamos grabar quepa en un rango aceptable entre un mínimo y un máximo.
Es decir: se trata de encontrar un nivel promedio.

El error más común al leer medidores de señal:

La mayoría de la gente se preocupa únicamente de cuidar el nivel máximo, o pico de la señal, y esa la toma como su referencia, es decir, como su promedio.
Sin embargo ese no es el promedio.
Es entendible que se reaccione así porque la experiencia nos dice que si dejo que el pico llegue al máximo, o sea, cuando se ilumine la barrita roja la señal con seguridad se distorsiona.
De acuerdo, hay que cuidar ese aspecto pero no es lo único a tomar en cuenta.

Una manera simple de leer el medidor de señal de audio:

Quizá no le hayas prestado mucha atención a lo siguiente:
La mayoría de los medidores de barra se iluminan en tres diferentes secciones, similares a los colores de un semáforo: verde, amarillo, rojo.

¿Qué quiere decir cada color en el medidor de señal?

  • Verde: Avanza. Por lo general abarca desde la señal mínima registrable hasta los -12dB. En algunos equipos puede ser en los -18 dB.
  • Amarillo: Preventiva o Precaución. Es el rango que va desde los -12 dB hasta el “0” de la escala.
  • Rojo: Alto. Cuando toca el “0”.

¿Dónde colocar la señal de audio?

  • Obviamente entre el verde y el amarillo.
    Procura que tus “picos” estén en la zona amarilla alrededor de -6 dB y “piquen” muy esporádicamente los -3dB.

Por último, toma en cuenta que si tu señal “toca” el rojo eso no quiere decir forzosamente que haya distorsión. Mejor escúchala y…
Si suena bien, sin distorsión, es que está bien.
Sigue este criterio tan sencillo. Estarás comenzando tu grabación con el pie derecho.

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Foto: TimWilson

 

Mucha gente piensa que sería normal hacer en su estudio personal lo que ve que hace un “dj” en vivo.

 

El problema es que no es el mismo objetivo de quien mezcla muchos instrumentos, desde cero, y debe tomar no una sino muchas decisiones.

 

Sin meterme en mayores detalles, me atrevería a decir que el objetivo de un “dj” es “amalgamar” las piezas y algunos elementos complementarios que ya fueron producidos en estudio.

Son materiales que no requieren mayor ajuste de ecualización, compresión, etc. De hecho están incluso masterizados.

Su arte está en esa combinación de temas, ritmos, atmósferas, etc. que hacen un todo continuo a la hora de la presentación.

Algunos utilizan, filtros y otros procesos para darle variedad y sorpresa al mismo material, pero difícilmente se encontrarán en la necesidad de tener que estar haciendo ajustes en la frecuencia y la dinámica.

Por otro lado, un ingeniero de monitores buscará sobre todo poder “chequear” las diferentes mezclas para los músicos en el escenario.

Seguramente con algunos ajustes de ecualización y dinámica pero lo común será que necesite sólo corroborar que todo esté llegando bien y con los balances que el músico desea.

 

En cambio, al mezclar música en estudio, es imperativo contar con una referencia lo más confiable posible en cuanto a frecuencias.

 

Y los auriculares fácilmente cambian nuestra percepción de ellas con sólo moverlos un poco o ajustarlos un tanto más o menos en nuestras cabezas.

¿Entonces quiere decir que no se usan los auriculares para mezclar?

Tampoco es tan así….
En estudio, la clave es contar con varias “referencias” de monitoreo

De ese modo podemos encontrar el balance de todos los elementos de la mezcla que sea lo más compatible con la mayoría de las referencias: nuestros monitores de estudio, auriculares, el modular de la casa, el autostéreo, etc.

Los auriculares son una herramienta fundamental, y lo deseable es contar con algunos de muy buena calidad.

Pero su mejor utilidad está cuando se utilizan en combinación con otros monitores.

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Foto: Rick Harris

¿Qué es tracking?

Es en sí el proceso de grabación, pero más específicamente se trata de la etapa inicial donde se colocan o disponen los sonidos base en pistas independientes de una sesión multicanal.

Es la etapa de grabación de los canales base y referencias para futuros “overdubbs”.

¿Qué es overdub?

El proceso por el cual tanto se sustituyen algunos canales grabados como se añaden otros que no se registraron en la toma original.

Por ejemplo, un ensamble de cuatro elementos -batería, bajo, guitarra y voz- hacen una primera toma de bases.

En el proceso la guitarra comete algunos errores pero sigue grabando.

La voz se desafina en algunas partes y la interpretación es muy básica.

Tanto la batería como el bajo quedan muy bien integrados y sus respectivos canales están limpios.

Lo importante es que el conjunto aporta una base sólida, con intención, sobre la cual tanto la guitarra como la voz pueden ser reemplazadas sin problema pero partiendo de una base que ayuda a la interpretación.

¿Qué se obtiene con esto?

Captar eso que llamamos el “feeling” de la pieza.

Es algo más sutil pero determinante.

Yo diría: se trata de capturar la “esencia” de la música y no sólo las notas musicales.

Cuando todo se graba por separado es muy frecuente que “eso” no esté.

¿Qué ventajas tiene grabar en un espacio que no sea un estudio?

Hay muchísimas ventajas. Claro, también hay desventajas que no cubriré en este artículo para enfocarse en la que me parece crucial

“Un ambiente relajado, que no huela a “grabación”, ayudará a que los músicos se concentren más en la música,  y eso se transmite en la interpretación

Y créeme, el valor de ese ingrediente no lo pagas ni con todo el oro del mundo.

Después puedes reemplazar lo que sea necesario, y en las condiciones más adecuadas, ya sea en tu propio estudio o en uno comercial. Lo que tus necesidades pidan o tu presupuesto permita.

Un secreto clave de la producción es “aprender a obtener lo mejor de todos los recursos disponibles”, incluido el componente humano.

Un espacio confortable puede hacer maravillas.

-“Es que no hay aislamiento acústico”, “es que no tiene las medidas adecuadas”, “es que”, “es que”, “es que”…

¿Y si no funciona?

¿Por qué no habría de funcionar?
Además, cuando uno se permite experimentar siempre aprende algo. No renuncies a esa oportunidad.

 

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8125655099_0a1a417997Foto: Rayford Smith

Al igual que cualquier otro oficio, el de la producción de audio requiere dedicación y cuidado en todas las etapas de nuestro proceso.

 

Esa meticulosidad dará frutos tarde o temprano.

Tu esquema de producción deberá incluir, casi siempre, todos los elementos de este proceso.

En cada uno de ellos aparecen infinidad de particularidades. La intención de estos artículos es abordar al menos los más comunes o los que más pueden influir en el resultado.
Grabación

¿Qué debemos tomar en cuenta en esta etapa?

Limpieza y claridad de la señal

Nada de ruidos o elementos que empobrezcan la señal. No tiene ningún sentido llegar a la mezcla a resolver estos problemas. Es en esta etapa donde se define si una toma queda o se desecha.

Buen nivel de señal

No vale la pena grabar  haciendo que los picos lleguen a cero. No sólo es irrelevante, puede ser incluso contraproducente.

Si bien cada instrumento, o señal en general, tiene sus particularidades, basta que los picos, o niveles máximos, anden alrededor de los -6 dB.

Orden en la sesión
Canales individuales perfectamente identificados y agrupados según función dentro del tema; por ejemplo, base rítmica, base armónica rítmica, elementos incidentales, coros y voz. Una organización así simplificará significativamente el proceso de mezcla.
Edición

Ediciones organizadas. Cuando se copian regiones tener mucho cuidado en dejar la uniones perfectamente limpias: buen manejo de los “crossfades”, buen manejo del “grid” o rejilla de cuantificación, de modo que nunca se pierda un ritmo sólido de la pieza.
Mezcla

Si bien las etapas previas son igualmente importantes, en esta nos enfocamos en lograr “amalgamar” los elementos independientes a modo de lograr un todo.

Es como cocinar. Al final obtienes un “sabor” único que no es una suma de elementos, sino algo diferente y con su propio “sazón”.
Masterización

Esta etapa es crítica.

Si procedes bien lograras aportarle un acabado óptimo a todo tu proyecto. Pero si la descuidas olvidémonos de  que el trabajo sea reconocido.

Algunas recomendaciones importantes son:

Congruencia

Si se trata de un proyecto que implica varios temas podría ser fundamental asegurar que todos parezcan pertenecer a una sola cosa; es decir, que no se perciban contrastes demasiado pronunciados entre ellos.

Muchas veces mezclamos los temas en momentos diferentes y con un ánimo e involucramientos también diferentes, el problema es que, al compararlos, se pueden percibir diferentes conceptos de mezcla y quizá no sea lo que deseamos para ese proyecto.

 

Optimización de los niveles

 

No por desear que tus temas suenen “hasta arriba” termines dañandolos.

Es muy común “apretar” tanto los temas en busca de hacerlos sonar  con “garra”, “punch”, etc. que curiosamente se termina logrando el efectos inverso: mucho nivel de señal pero poca energía.

Se trata de lograr el mejor manejo del rango dinámico, y eso implica saber qué hacer para lograrlo. Además, no todos los géneros lo requieren igual.

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La Qu-16 lleva a otro nivel el concepto de las mezcladoras digitales compactas, combinando una excepcional funcionalidad y la mejor experiencia de mezcla digital. Este nuevo modelo de A&H trae todo lo que el usuario espera de una mixer de rango profesional como de las series GLD y iLive. En la Qu-16 encontrarás la tradición de la marca Allen & Heath que la hace reconocida internacionalmente.

Algunas características

 

Qu-16 incluye 17 faders motorizados y pre-amplificadores controlados digitalmente, una pantalla táctil intuitiva, Qu-Drive integrado con grabador multipistas, dSNAKE para unidades de E/O con monitor personal, multi-canal de transmisión USB para Mac, Qu-Pad de control de aplicación y biblioteca iLive FX.
El mezclador está equipado con la capacidad de procesamiento masivo, cinco DSP de alta velocidad de doble núcleo que ofrecen un canal global y el procesamiento FX con amplio espacio para futuras actualizaciones de procesamiento y funcionalidad. Súper procesadores de núcleo ARM en paralelo para suministrar eficientemente el rendimiento, interfaz USB, salida continua USB, puerto Ethernet, y faders móviles. Está equipada con una alta resolución (800×480) con pantalla táctil a todo color de acceso fácil ‘Channel Touch’ para el procesamiento de canal, los bastidores FX, toda la configuración y los controles del sistema de gestión.

De acuerdo con la interfaz de usuario de iLive, el Superstrip ofrece perillas de control de los parámetros de un canal tales como aumento, HPF, ecualizador paramétrico, el umbral de la puerta, umbral del compresor y pan. La mesa de mezclas integrada USB grabador que trabaja con una unidad externa USB, puede grabar y reproducir audio multi-pista y equipo de música. wav. Si se utiliza el Qu-16 en el estudio también hay una interfaz de audio de transmisión USB para reproducción y grabación para Mac y sistemas DAW. El mexclador permite conectarse a través de un solo 120m Cat5 serpiente digital a un audio remoto rack y es compatible con el

sistema de mezcla ME personal.
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Características Principales

  • 16 entradas mono TRS + XLR.
  • 3 entradas estéreo TRS.
  • 4 retornos de efectos estéreo.
  • 16 buses.
  • 12 salidas Mix LR, Mono Mix 1-4, Stereo Mix 1-3.
  • Salida digital AES.
  • Montable en rack de 19″.
  • Faders motorizados.
  • Pantalla táctil de 800×480.
  • Puerto de audio remoto dSNAKE.
  • USB Audio Streaming.
  • Control de DAW por MIDI.
  • Trim, polaridad, HPF, gate, inserción, EQ paramétrica de 4 bandas, compresor y delay en todas las entradas.
  • Inserción, EQ gráfica de 1/3 de octava, compresor y delay en las salidas Main LR y Mono Mix.
  • Inserción, EQ paramétrica de 4 bandas, compresor y delay en las salidas Stereo Mix.

 

Podes conocer este y otros productos ingresando a nuestratienda virtual
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LA VERDAD SOBRE LA REVERB

Publicado: abril 15, 2014 en Uncategorized

 

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La reverb, es probablemente, el efecto más empleado en la música. Muchas veces, de forma natural y otras, de forma artificial, para emular espacios o simplemente, es usada de forma creativa. No debemos confundir este efecto con el delay.
El delay es un rebote continuo del sonido a modo de eco que dependiendo del espacio natural o artificial irá disminuyendo de intensidad progresivamente.

La reverberación es sencillamente un efecto espacial.

Imagínate que NOS encontramos en una clásica cancha de basket, al pegar un grito escucharás tu voz reverberada. También hay diferentes tipos de reverb. El ejemplo anterior se basaba en un espacio, pero también podemos encontrar otros espacios con efectos diferentes como por ejemplo, la reverb que podrás escuchar en el cuarto de baño. De acuerdo, no parece reverb, pero sin embargo, la reflexión de tu voz en los azulejos, tendrá un efecto de reverb con una cola corta y es por eso que tiene un efecto tan característico.

 

Todos los sonidos tienen una reverberación asociada, y aunque la fuente original se encuentre en un punto que nuestros oídos puedan localizar, las reverberaciones reflejadas emanarán de cualquier superficie reflectiva, y esto también nos dice a qué distancia está un sonido. Por ejemplo, si un sonido proviene de lejos, su reverb tendrá un menor espectro estéreo que si fuera más cercano, así que si quieres imitar esto, debes usar un efecto de reverb mono.

A la inversa, cuando estás físicamente cerca de una fuente sonora, obviamente escucharás más el propio sonido y menos la reverb, pero si quieres dar espacio al sonido, puedes usar un pre-delay de 80 ms en la reverb para separar el sonido y el efecto.

Los sonidos mono se pueden engrosar mediante el uso de una reverb estéreo, pero no tomemos  ese camino si queremos ser más creativos.

Un método es aplicar una reverb mono a la señal e insertar un EQ a la salida de la reverb. Si además eliminas las frecuencias agudas y lo automatizas (el EQ ), conseguirás que el sonido parezca moverse hacia delante y hacia atrás al ritmo de la música. Otro método es aplicar una reverb mono y panoramizar su salida hacia el lado opuesto del campo estéreo. De esta manera la señal estaría, por ejemplo, a la izquierda, mientras que sus reflexiones se encontrarían a la derecha.

También la reverb mono resulta útil para engrosar instrumentos mono, acústicos y de viento. Panoramizando la reverb hacia el mismo lugar que el instrumento dará un resultado más amplio y unificado. Esto permite que el sonido retenga su posición en el campo sin parecer demasiado confuso.

 

Podes conocer el funcionamiento de  este y otros dispositivos en nuestros cursos de TECNICO EN GRABACION PROFESIONAL (presencial o a distancia)

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